Клод Моне (1840—1926).
Андрей Аллахвердов. Клод Моне. 2017. Личная коллекция художника Allakhverdov.com
Клода Моне можно назвать хрестоматийным импрессионистом. Так как он был верен этому направлению всю свою долгую жизнь.
Он писал не предметы и людей, а единую цветовую конструкцию из бликов и пятен. Раздельные мазки. Дрожание воздуха.
Клод Моне. Лягушатник. 1869. Музей Метрополитен, Нью-Йорк. Metmuseum.org.
Моне писал не только природу. Ему удавались и городские пейзажи. Один из самых известных — “Бульвар Капуцинок”.
В этой картине есть многое от фотографии. Например, движение передано с помощью размытого изображения.
Обратите внимание: дальние деревья и фигуры словно находятся в дымке. Клод Моне
Бульвар Капуцинок в Париже. 1873. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва
Клод Моне. Бульвар Капуцинок в Париже. 1873. ГМИИ им. А.С. Пушкина (Галерея искусства Европы и Америки 19-20 вв.), г. Москва.
Перед нами остановленный момент бурлящей жизни Парижа. Никакой постановочности. Никто не позирует. Люди изображены как совокупность мазков. Такая бессюжетность и эффект “стоп-кадра” — главная черта импрессионизма.
К середине 80-х годов художники разочаровались в импрессионизме. Эстетика — это, конечно, хорошо. Но бессюжетность многих угнетала.
Лишь Моне продолжал упорствовать, гипертрофируя импрессионизм. Это переросло в серии картин.
Один и тот же пейзаж он изображал десятки раз. В разное время суток. В разные времена года. Чтобы показать, насколько температура и свет могут изменить один и тот же вид до неузнаваемости.
Так появились бесчисленные стога сена.
Картины Клода Моне в Музее изящных искусств в Бостоне. Слева: Стога сена на закате в Живерни, 1891. Справа: Стог сена (эффект снега), 1891.
Обратите внимание, что тени на этих картинах цветные. А не серые или чёрные, как было принято до импрессионистов
Это ещё одно их изобретение.
Моне успел насладиться успехом и материальным благополучием. После 40 он уже забыл о нищете. Обзавёлся домом и прекрасным садом. И творил в своё удовольствие ещё долгие годы.
О самой знаковой картине мастера читайте в статье “Впечатление” Клода Моне. С чего начинался импрессионизм”.
Большие купальщицы
Огюст Ренуар родился на юге Центральной Франции в семье небогатого портного Леонара Ренуара. Он был шестым из семи детей. В 1844 году семья переехала в Париж. Будучи ребенком, Пьер Огюст пел в церковном хоре при соборе Сент-Эсташ. Регент хора рекомендовал родителям определить сына учиться музыке, отмечая необыкновенный голос мальчика.
Но у Огюста проявился также дар художника, и, когда ему исполнилось 13 лет, он устроился к мастеру по росписи посуды. Легко научившись этому ремеслу, Огюст смог материально помогать семье. Вечером после работы в мастерской он учился в школе живописи. В 21 год он поступил Школу изящных искусств при Академии художеств в мастерскую Глейра.
Через два года обучение пришлось закончить, так как Глейр закрыл свою мастерскую.
Во время франко-прусской войны в 1870—1871 годах Ренуар был призван в армию. По возвращению со службы в 1872 году Ренуар с друзьями создал «Анонимное кооперативное товарищество».
Первая выставка товарищества была организована в 1874 году. Выставка закончилась провалом, а члены товарищества получили оскорбительную кличку — «импрессионисты».
Ренуар постепенно перестал участвовать в выставках импрессионистов. Он представил в 1879 году в Салон «Портрет актрисы Жанны Самари» и «Портрет госпожи Шарпантье с детьми» и добился всеобщего признания, а вслед за этим финансовой независимости.
Ренуар побывал в Алжире, затем в Италии. Познакомившись с работами классиков Возрождения, Ренуар изменил свой подход к живописи. Источником его вдохновения стал Энгр, поэтому этот период творчества назван «энгровским».
В 1890 году Ренуар женился на Алине Шариго, с которой познакомился десятью годами раньше, когда та была 21-летней белошвейкой. У них уже был сын, Пьер, родившийся в 1885 году, а после свадьбы у них появились ещё два сына — Жан, родившийся в 1894 году, и Клод (известный как «Коко»), родившийся в 1901 и ставший одной из самых любимых моделей отца.
В 1892 году у Дюран-Рюэля успешно прошла большая выставка картин Ренуара. Картина «Девушки за фортепьяно» была куплена Люксембургским музеем.
После поездки в Испанию, где он познакомился с творчеством Веласкеса и Гойи, в начале 90-х годов в ренуаровском искусстве произошли новые перемены. В живописной манере появилась переливчатость цвета, этот период именуются «перламутровым».
Личное счастье и профессиональный успех Ренуара были омрачены болезнями. В 1897 году Ренуар сломал правую руку, упав с велосипеда. В результате у него развился ревматизм, от которого он страдал всю оставшуюся жизнь. Из-за ревматизма Ренуару трудно стало жить в Париже, и в 1903 году семья Ренуаров переехала в усадьбу под названием «Колетт», в небольшом городке Кань-сюр-Мер.
С 1912 года Ренуар был прикован к инвалидному креслу после приступа паралича, но продолжал писать. Кисть вкладывала ему между пальцев сиделка.
В последние годы жизни Ренуар снискал славу и всеобщее признание благодаря выставленной в 1917 году в Лондонской Национальной галерее картине «Зонтики».
Текстура холста, качественные краски и широкоформатная печать позволяют нашим репродукциям Пьера Огюста Ренуара не уступать оригиналу. Холст будет натянут на специальный подрамник, после чего картина может быть оправлена в выбранный Вами багет.
Жанна заказывала портреты у других художников
Жанна очень хотела стать великой актрисой. Вырваться из своего амплуа смешливых служанок. Играть трагичные роли. Как ее современница Сара Бернар. Которая даже Гамлета сыграла.
Она считала, что парадный портрет Ренуара (Эрмитаж) поможет ей в этом. Но он остался незамеченным. Она даже отказалась его выкупить.
И обратилась к более традиционному художнику. Луизе Аббема. Которая написала когда-то портрет той самой Сары Бернар.
Луиза Аббема. Портрет Жанны Самари. 1879 г. Музей Карнавале, Париж. Wikimedia.commons.org
Публика осталась к нему равнодушной. Со временем Жанна добилась славы, о которой так мечтала. И это случилось не благодаря Луизе Аббема. Ренуар обессмертил ее имя.
Верные друзья
Ренуар посещал довольно много занятий у разных преподавателей, но учился в основном у Глейра, на уроках которого студенты писали и рисовали обнаженную натуру. В свое время Огюст сделал множество копий с картин в стиле рококо и, может быть, поэтому отдавал предпочтение ярким и сочным краскам. Однако в Школе это отнюдь не приветствовалось. Глейр однажды долго смотрел, как работает Ренуар, а потом холодно спросил: «По всей вероятности, вы рисуете ради собственного удовольствия, не так ли?» Ренуар ответил: «Ну конечно же, можете быть уверены, я бы ничего этого не делал, если бы мне не нравилось рисовать!» Он совершенно не собирался дерзить учителю, всего лишь искренне высказал свое мнение и творческое кредо.
Огюст Ренуар встретил свою первую любовь, Лизу Трео, в 1865 г. Она стала моделью не менее чем для 20 его картин: «Лиза с зонтиком», «Одалиска» и др. Но живописец так и не решился сделать предложение руки и сердца, а с тех пор, как Лиза вышла замуж, больше никогда ее не виде
Возможно, учиться у такого мастера, как Глейр, не было удачей для Ренуара, но в этой мастерской его ждали встречи, определившие ход его жизни. Здесь он познакомился сначала с Фредериком Базилем, а через него — с Эдуардом Мане, в то время ставшим для юноши кумиром. У Глейра Огюст познакомился и с Альфредом Сислеем, а также с Клодом Моне, который позже стал одним из самых близких друзей Ренуара. Молодые люди постоянно встречались и много беседовали о прошлом и будущем искусства. «Грядет Возрождение!» — восклицал Базиль, и не раз заговаривал о том, что всем им нужно объединиться в группу и вместе творить, открывая новые пути. Увы, сам Фредерик не дожил до того момента, когда импрессионисты действительно объединились, провели свою первую выставку и получили обидное прозвище «впечатлистов». Он погиб на франко-прусской войне.
Огюст Ренуар «Весенний букет» (1866)
Учеба у Глейра оказалась недолгой — в 1863 году мастерская закрылась. Впрочем, Ренуар покинул ее еще раньше, поскольку у него не было денег, чтобы оплачивать обучение. Это было трудное время, время поиска заработка и крайней нужды. Но вместе с тем это был год открытия Салона отверженных, создания «Завтрака на траве» Эдуарда Мане и окончательного сплочения молодых художников. Как бы ни сложились их судьбы впоследствии, как бы ни разошлись пути — сейчас они были едины.
Особенности импрессионизма
Переменчивые эффекты света и цвета – вот куда стремилось всё внимание импрессионистов. Был возведён в культ пленэр – рисование на открытом воздухе
Солнечный свет, блики солнца на воде, шелест листьев, дуновение ветра, тени, всё окружающее пространство вокруг позволяло сильнее ощутить мгновение жизни, происходящее именно в этот определенный момент, и запечатлеть его на холсте.
Надо сказать, что тяга к рисованию на натуре существовала у художников и до импрессионизма (Камиль Коро, поздний Курбе, Александр Иванов «Явление Христа народу»).
Камиль Коро «Водопад в Терни» 1826
Но это было только развитие живописных приёмов, импрессионисты же произвели революцию видения. Они писали не столько предметы и пейзажи, сколько некую неосязаемую живописную самодостаточную сущность, растворяющую в себе и предметы, и пространство, и объёмы.
В неподвижности холста каждой картины импрессионистов чувствуется трепет замершего времени, растянутость единого мига: отражения, рефлексы, преломления света и цвета, дрожащие контуры, туманность.
Альфред Сислей «Сена близ Буживаля» 1872
Картины импрессионистов отличали торопливые мазки, отсутствие чётких контуров и прорисовки изображения. Художники-импрессионисты не использовали палитру, то есть не смешивали краски, а наносили мазки чистых цветов сразу на холст близко друг к другу, где они визуально смешивались сами.
Кое-чему импрессионисты учились у фотографии, например, умению «размывать» изображение в глубине и фиксировать взгляд на переднем плане картины (Моне «Бульвар Капуцинок»). Интересно, что у импрессионистов редко встречается вертикальный пейзаж (за исключением Писсаро).
Клод Моне «Бульвар Капуцинок» 1873
Импрессионисты – настоящие демократы, они одинаково интересовались и любовались всем: не важно, будь то железная дорога или обнаженная фигура, прогуливающаяся светская дама или тяжелый труд работяги. Они были вне социальности, не были на чьей-то стороне, а просто всем любовались
Искали не мораль, но истину и писали только во имя искусства, во имя совершенства, которому свято служили.
Описание картины Большие купальщицы – Пьер Огюст Ренуар
Картину “Большие купальщицы” Огюст Ренуар писал около четырех лет, с 1883 по 1887. Художник был прославленным женолюбом и большим ценителем красоты женского тела, всегда старался донести до зрителей это чувство прекрасного.
Данная работа является, пожалуй, самой выразительной и популярной в коллекции художника. Конкретно над этой картиной Ренуар трудился не один год, рисуя один за одним черновые варианты, создавая наброски и эскизы. Он заранее детально проработал образ и тело каждой героини, доведя каждую из них до идеала; их тела и вправду выглядят потрясающе.
Огюст Ренуар никогда не скрывал своей увлеченности женщинами. Идеалом красоты он считал пухленькое тело и объемные женские формы, которые также являлись признаком зрелости девушки и ее готовности к любви.
На данной картине изображены три обворожительные обнаженные молодые девушки, отдыхающие на берегу водоема. Две из них уже вышли из воды и нежатся под теплым ласковым солнцем
Девушек нельзя назвать стройными, но именно к их пухленьким нежным телам приковывается все внимание зрителя
Они принадлежат как раз к тому самому возрасту, когда они становятся желанными и начинают желать сами. Каждая из девушек, конечно же, догадывается о своей красоте и порой сами любуются своими очаровательными формами.
Третья девушка еще находится в воде. Если внимательно ее рассмотреть, можно заметить, что она гораздо моложе двух других купальщиц, ее пора еще не настала. Она еще не созрела и в ней еще горит огонек детского задора. Девочка держит руки в воде, желая обрызгать своих подруг, сидящих на берегу.
Она, как и все дети, хочет поскорее повзрослеть, поэтому старается больше времени проводить со взрослыми девушками, думая, что это поможет ей почувствовать себя старше. На заднем плане можно увидеть двух девочек, которые еще моложе. Их детская стройность намеренно осталась на заднем плане, не привлекая к себе внимания.
Она не раз работала натурщицей у Ренуара, после чего, вдохновленная его творчеством, сама стала известным художником. По ее же стопам пошел ее сын.
(2 votes, average: 2.50
Он хотел стать певцом
Пьер Ренуар родился 25 февраля 1841 года на юге Франции. В детстве он брал уроки пения у хормейстера местной церкви: у мальчика был отличный голос, однако из-за финансового положения своей семьи ему пришлось отказаться от попыток добиться успеха в данной области.
Кто знает, увидели бы мы его картины, если бы он не отказался от своей первоначальной цели. Однако даже тогда, наверное, мы бы говорили о Ренуаре как об одном из великих музыкальных исполнителей своего времени.
Главная цель — собирать информацию: как разговоры за столом помогут найти работу
Цинизм и недоверие к работодателю: как вернуть рабочий энтузиазм
Финансовый гороскоп 2023: чего ожидать каждому знаку зодиака
То, что Ренуар обладал даром художника, было заметно с самого раннего возраста. Чтобы помочь своей семье, 13-летний Огюст научился расписывать фарфоровые изделия: благодаря этому он стал еще более известным.
Альфред Сислей (1839—1899).
Пьер-Огюст Ренуар. Портрет Альфреда Сислея. 1868. Собрание фонда Эмиля Бюрле, Цюрих, Швейцария. Wikimedia Commons.
Альфред Сислей был человеком скромным и молчаливым. Такими же были и его пейзажи. Тихие, наполненные цветовым уютом. Сислей не любил внешних эффектов. Людей он тоже почти никогда не изображал.
Широкими мазками он писал подвижное небо и воду. Дома же выписывал более гладко. Это подчеркивало статичность материала. Как на его знаменитой картине “Наводнение в Порт-Марли”.
Альфред Сислей. Наводнение в Порт-Марли. 1877. Музей Д’Орсе, Париж.
Сислей особенно любил писать небо. С него он и начинал любую картину. Часто оно занимало бОльшую часть холста.
В изображении неба он также использовал разные мазки. Длинные помогали передать быстро движущееся предгрозовое небо. Лёгкие и тонкие передавали небо ясное и безоблачное.
Картины Альфреда Сислея. Слева: Вид на Сен-Мамес. 1880 г. Художественный музей Уолтерса. Балтимор, США. Справа: Мост в Море. Утро. 1891 г. Частная коллекция.
Сислей признания так и не дождался. Его пейзажи казались публике невыразительными. Оценили их после его смерти. Сейчас они стоят миллионы долларов.
Детство и юность
Пьер Огюст Ренуар родился 25 февраля 1841 года. Его родным городом являлась расположенная на юго-западе Франции коммуна Лимож. Художник был шестым ребенком из семи детей небогатого портного Леонарда и его жены, швеи Маргариты
Несмотря на то, что семейство едва сводило концы с концами, родителям хватало времени и любви на то, чтобы оделять вниманием и нежностью каждого из своих отпрысков
Художник Огюст Ренуар
В детстве Пьер был нервным и впечатлительным мальчишкой, но Леонард и Маргарита сочувственно относились к чудачествам ребенка. Отец прощал сыну, когда Огюст утаскивал у него карандаши и портновские мелки, а мать – когда он рисовал на стенах дома. В 1844 году Ренуары переехали в Париж. Здесь Огюст поступил в церковный хор при большом соборе Сент-Эсташ.
Регент хора Шарль Гуно, услышав пение Огюста, на протяжении пары недель пытался убедить родителей отдать будущего автора картины «Девушка с веером» в музыкальную школу. Однако в итоге Пьер иллюзорному миру звуков предпочел живопись. Леонард отдал наследника на фабрику «Леви Бразерс», занимающейся изготовлением продукции из фарфора, когда тому исполнилось 13 лет. Там мальчик научился рисовать, украшая тарелки, горшки и вазы изображениями, выходившими из под его кисти.
Фотопортрет Огюста Ренуара
Когда в 1858 году компания обанкротилась, юный Ренуар, находясь в поисках иных источников дохода, раскрашивал стены кафе, жалюзи и навесы, копируя работы художников эпохи Рококо – Антуана Ватто, Жана Оноре Фрагонара и Франсуа Буше. По мнению биографов, этот опыт повлиял на последующее творчество графика.
Именно произведения мастеров XVIII века пробудили в авторе картины «Роза» любовь к ярким цветам и неброским линиям. Вскоре Огюст осознал, что его амбициям тесно в рамках подражательной работы. В 1862 году он поступил в школу изящных искусств. Его наставником стал швейцарский художник Марк Габриэль Шарль Глейр, придерживающийся при создании картин академической традиции рисования.
Огюст Ренуар в молодости
Согласно этой традиции, произведения пишутся исключительно на исторический или мифологический мотив, а в изобразительной палитре преобладают только темные цвета. Такие холсты жюри Салона принимало на ежегодную официальную выставку, которая давала возможность заявить о себе начинающим живописцам. Во время обучения Ренуара в академии, в мире искусства Франции назревал переворот.
Художники Барбизонской школы живописи все чаще изображали на своих полотнах явления повседневной жизни с использованием игры света и тени. Также именитый реалист Гюстав Курбе во всеуслышание заявил, что задача живописца заключается в отображении реальности, а не идеализированных сцен в академическом стиле. Ренуар, также как и его приятели — сокурсники Клод Моне и Альфред Сислей, знал о царящих в воздухе революционных настроениях.
Огюст Ренуар
Однажды товарищи, чтобы обозначить свою позицию, во время занятий, без разрешения Глейера вышли на улицу и стали рисовать под открытым небом все то, что их окружало. В первую очередь начинающие художники пришли в лес Фонтенбло. Это место на протяжении 20 лет воодушевляло импрессионистов на написание шедевров. Там Ренуар познакомился с жанристом Гюставом Курбе, чье влияние видно в картине 1866 года «Харчевня матушки Антони». Холст, изображавший неидеализированную, повседневную сцену жизни, стал символом отказа Огюста от академической традиции рисования.
Отличия от постимпрессионизма, романтизма, модернизма и реализма
Его часто путают с другими направлениями в живописи, однако есть принципиальные различия между этими течениями. Постимпрессионизм появился уже после, и в начале также подвергался критике в творческих кругах. В отличие от импрессионистов, художники стали придавать значение не только красоте, но и содержанию. Живописцы старались совместить эстетическую составляющую и значение. Темы для картин становятся более возвышенными.
Основное отличие импрессионизма от романтизма — в сюжетах. Художники отвергали накал страстей, драмы в своих картинах. Они сконцентрировались на написании повседневных сюжетах
Импрессионисты старались «упростить» содержание, сосредотачивая свое внимание на красоте момента. Героями их картин выступали не прекрасные дамы или мятежные герои, а обычные люди
Без импрессионизма могло не быть модернизма. Во многом благодаря смелости французских художников второй половины XIX века появились новые направления в искусстве. Модернизм отличается от импрессионизма более радикальными художественными принципами. Если для Моне и других важнее всего красота и чистота красок, то для Пикассо и Дали важнее форма и передача эмоционального состояния художника.
Последователи реализма изображали на своих картинах действительность без прикрас. По их работам можно увидеть, как жили люди в определенную эпоху. Для реалистов главная задача — точное отражение действительности. Для импрессиониста важнее всего передать красоту и мимолетность действия. Они тоже рисовали обыденные сюжеты, но старались сделать свои картины более солнечными, уютными и эстетичными.
В каждом направлении можно заметить изыскания живописцев, чьи эксперименты повлияли на становление импрессионизма. Из поклонников романтизма выделяют Эжена Делакруа, в реализме — Густава Курбе. Молодые художники многое почерпнули в работах Жана-Батиста Камиля Коро, Эжена Будена, Йохана Бартольда Джонгкинда.
Реакция публики на портрет была неоднозначной
Портрет был написан, когда вкусы публики стали меняться. Спрос по-прежнему был велик на декоративную, прилизанную живопись. На сентиментальные сюжеты. Так, был очень популярен Огюст Тульмуш. Чтобы художник написал ваш портрет, нужно было прождать несколько лет.
Огюст Тульмуш. Любовное письмо. 1863 г. Частное собрание. Wikimedia.commons.org
Очередь за портретом к Ренуару не выстраивалась. Но у импрессионистов стали появляться первые почитатели. Это были люди незаурядные. Как, например, Анри Лероль или Анри Руар. Обеспеченные буржуа с тонким вкусом, которые сами были художниками-любителями.
В 1877 Ренуар выставил свою Жанну Самари на третьей выставке импрессионистов. Конечно, картину ругали. Немало было насмешек, ведь “руки женщины словно покрыты чешуёй”.
Наверняка многие бы попадали в обморок, если бы Ренуар осмелился выставить другой портрет Жанны. Этот этюд очень смелый в исполнении. Даже по нынешним временам.
Пьер-Огюст Ренуар. Жанна Самари. 1878 г. Национальная галерея Вашингтона, США. nga.org
Но было и много восторгов. Самый знаменитый из них принадлежит критику Луи Леруа «В блюдо из красок входит ваниль, красный крыжовник и фисташки. Этот портрет можно есть ложкой!”
Мане, Ренуар и другие
Среди самих импрессионистов главную роль в формировании этого стиля сыграл тот человек, который всегда называл себя «независимым» художником, и имя ему Эдуард Мане. Его полотна «Завтрак на траве» и «Олимпия» шокировали публику ещё в 1863 году в Салоне Отверженных, где были выставлены картины, не принятые официальным салоном. Эти две работы Мане можно назвать программными. Он, как и все импрессионисты, имел классическое образование и обучался академической живописи, но в этих двух картинах отошёл от её стандартов, и именно это шокировало зрителей. Мане называли сумасшедшим, например, из-за того, что в работе «Завтрак на траве» он изобразил обнаженную даму среди парадно одетых мужчин. «Олимпию» возмущённые зрители несколько раз повреждали. Эти полотна поняли, пожалуй, только Эмиль Золя и Шарль Бодлер. Другая поразительная картина Мане, более ранняя «Музыка в Тюильри», тоже подверглась жёсткой критике. Публика не поняла тонкую градацию цвета, назвав её «мешаниной красок», в то время как именно она вместе с обобщением форм создала взаимосвязь изображённых людей и предметов со средой, в которой они находились, и это прекрасно послужило передаче атмосферы схваченного Мане момента. Он писал то, что видел, работая с натуры, придавая огромное значение естественному освещению, выражая своё впечатление от увиденного на холсте, и Мане можно назвать главой течения импрессионистов, пусть он и не хотел связывать себя с их группой.
Эдуард Мане. «Музыка в Тюильри», 1861. (artchive.ru)
Пьер Огюст Ренуар достиг необычайного мастерства в жанре портрета. Он прекрасно отражал настроение модели, особенно это касается картин, изображающих женщин и детей. Этот художник больше других импрессионистов заботился о технике своей работы. Он писал то мелкими, плотными мазками, то длинными, полупрозрачными, положенными с пробелами. Часто эти приёмы соседствуют на одном полотне. Его картины запоминаются своей жизнерадостностью. Ренуар очень любил работать на открытом воздухе и творил до последних дней своей жизни, несмотря на сковавший его тело ревматизм, поразивший, в том числе, кисти рук.
Золотым временем импрессионизма в творчестве Клода Моне стали 1870-е годы. Именно он добился наибольшего успеха в передаче изменчивого естественного освещения. Этот мастер работал практически только на пленэре, создавая пейзажи, и с течением времени он всё реже изображал на них людей. Моне одним из первых начал писать серии картин, показывающих одно и то же место, но в разное время суток или года, после смены погоды. Так появились циклы изображений Руанского собора, вокзала Сан-Лазар в Париже, мостов Лондона. Такие серии помогли Моне научиться передавать свежие, яркие, естественные краски и тончайшие нюансы освещения.
Среди импрессионистов-пейзажистов стоит выделить Альфреда Сислея с его целостностью и тонким лиризмом творчества. Он любил изображать гармонию природы, очень большое значение на своих полотнах придавая небу, глубоко разрабатывая его оттенки и освещение: небеса никогда не были для этого мастера только фоном и даже могли служить главным выразителем настроения всего полотна. Постоянно работая на пленэре, художник научился переносить на полотно всю глубину открытого пространства с его струящимся воздухом. С развитием стиля Сислея спокойствие его пейзажей стало сменяться энергичностью, а цвета становились более контрастными.
Альфред Сислей. «Мост в Вильнёв-ла-Гаренн», 1872. (impressionism.ru)
К сожалению, расцвет импрессионизма не был долгим: громко заявив о себе в 1870-е гг., к началу 1890-х это течение сошло со сцены, уступив место постимпрессионизму, представители которого были заняты поисками нового в искусстве.
